Me alimento de sangre. Y no, no estoy muerta. Las 20 películas que no debiste perderte en 2009.

En 2009, alrededor de 300 películas se exhibieron en las salas cinematográficas de Guadalajara. Las olvidaremos casi todas, esa es la verdad.

Y por eso hacemos este ejercicio, para celebrar a las pocas que recordaremos. Algunas son maravillosas; otras, no tanto. Habrá las que no querremos olvidar, así como las que recordaremos aunque no lo deseemos. Estos son los 20 filmes que debiste ver en 2009.

1. DÉJAME ENTRAR

(Låt den rätte komma in)

En el año del vampirismo light y endulcorado, esta cinta preserva la dignidad del mito. La ingenuidad y su encontronazo con la fatalidad romántica. Un cuento pueril de vampiros, que no infantiloide ni descerebrado.

De Thomas Alfredson. Con Kåre Hedebrant y Lina Leandersson. Terror. Suecia, 2008.

2. LOS QUE SE QUEDAN

Aclamado documental mexicano sobre la migración, mas no sobre las almas peregrinas sino sobre aquellos que tienen que esperar su retorno, los que son dejados atrás... y cuyas vidas no se detienen. Sobrio pero emotivo, puntual pero alegórico.

De Juan Carlos Rulfo y Carlos Hagerman. Documental. México, 2009.

3. SIN NOMBRE

Seguimos con los migrantes. Tan bellamente filmada que hace un poema de la tragedia. Franca y respetuosa, demoledora y magnética. La odisea del migrante en pos del sueño americano retratada con un hiperrealismo devastador y paradójicamente preciosista.

De Cary Fukunawa. Con Paulina Gaytán, Tenoch Huerta, Diana García y Luis Fernando Peña. Drama. México-Estados Unidos, 2009.

4. UP

(Up)

Una sola secuencia confiere a esta cinta el estatus de "clásico instantáneo". Y es que dicho fragmento de apenas unos minutos es una verdadera cátedra sobre narración en el cine. Emotividad legítima en momentos de verdadero arte cinematográfico.

De Pete Docter. Animación. Estados Unidos, 2009.

WALT DISNEY PICTURES/PIXAR

5. AVATAR

Cumple consigo misma, con su realizador y con el hype que se erigió a su alrededor. El eye-popping del año y la redentora de los trucos digitales, y es que gracias a Transformers 2 y 2012 parecía que éste sería el año de los efectos visuales "patito".

De James Cameron. Con Sam Wothington. Aventura-Fantasía. Estados Unidos, 2009.

6. DESIERTO ADENTRO

La radiografía por excelencia de "la culpa" al estilo mexicano. En serio, ¿qué seríamos culturalmente sin "la culpa"? Un hombre, su grave pecado y el severo castigo que Dios le ha impuesto. Y pa'que papá Dios no esté tan emputado, pos hay que construirle un templo.

De Rodrigo Plá. Con Memo Dorantes, Mario Zaragoza, Diego Cataño y Luis Fernando Peña. Drama. México, 2008.

7. SECTOR 9

(District 9)

La ciencia ficción estaba malherida. Sector 9 vino a sanarla. ¿Cómo lo consiguió? Humanizándola, volviéndola inmediata y socialmente metafórica (como alguna vez lo fue), reemplazando al héroe infalible por un pelele egoista y quejica que no tiene más remedio que salvar involuntariamente el día... Y con aliens que son la onda.

De Neill Blomkamp. Con Sharlto Copley. Ciencia Ficción. Estados Unidos-Nueva Zelanda, 2009.

8. FROST/NIXON

(Frost/Nixon)

No me gusta Ron Howard. Pero, en honor a la verdad, con Frost/Nixon logró filmar una estupenda cinta sobre periodismo y el poder del mass-media. Un duelo de actuaciones respaldado por una inteligente puesta en cámara.

De Ron Howard. Con Frank Langella y Martin Sheen. Drama político. Estados Unidos, 2008.

9. LA NANA

Una película doméstica tanto en su atmósfera como en su sencilla puesta en cámara. Una de esas películas que nos demuestran que menos es más. Nada más aterrador y retorcidamente divertido que la vida residencial, la supuesta seguridad de lo cotidiano y un falso sentido de pertenencia, ¿o no? Un goce cáustico.

De Sebastián Silva. Con Catalina Saavedra. Drama. Chile, 2009.

10. (500) DÍAS CON ELLA

((500) Days of Summer)

El amor duele. El amor no es color de rosa. El amor no suele ser correspondido. El amor destruye incluso los anhelos más férreos. Pero también se siente jodidamente bien. Una comedia romántica que le da dos o tres giros a las tuercas cardíacas. Duele cuando divierte y divierte cuando duele.

De Marc Webb. Con Joseph Gordon-Levitt y Zooey Deschanel. Comedia romántica. Estados Unidos, 2009.

11. SLUMDOG MILLIONAIRE: QUISIERA SER MILLONARIO

(Slumdog Millionaire)

Después de todo el buzz que generó, seguro que ésta sí la viste. Danny Boyle realiza tal vez su cinta más complaciente a la fecha, pero sin hacer sacrificios reprochables. Colorida, amena, dinámica, dulce, trepidante. Un cinta de realización coreográfica y pop.

De Danny Boyle. Con Dev Patel, Freida Pinto y Anil Kapoor. Drama. Reino Unido, 2008.

12. VALS CON BASHIR

(Vals im Bashir)

Uno pensaría que podría haber documental más falso que un documental animado, que tal cosa sería una imposibilidad, un documental cuyas imágenes aparecen maquilladas con trazos vectoriales. En Vals con Bashir, son su forma, su color y su "maquillaje" quienes le confieren su franqueza, vitalidad y contundencia.

De Ari Folman. Animación-Documental. Israel, 2008.

13. GRAN TORINO

Eastwood es Eastwood. En él, incluso los grandes excesos son un deleite y los personajes de caricatura se vuelven entrañables y creíbles. Lo mejor del filmmaking americano en una película efectiva y de buena musculatura.

De Clint Eastwood. Con Clint Eastwood. Drama. Estados Unidos-Australia, 2008.

14. NICK & NORAH: UNA NOCHE DE MÚSICA Y AMOR

(Nick and Norah’s infinite playlist)

Indie-rockers in love. No hace falta decir más. Pero agregaremos lo siguiente: excelente banda sonora, excelente ritmo, actuaciones siempre a tono. No hace falta una trama profunda y ceremoniosa (ni tampoco zarabandas histriónicas) para hacer una película buena en todos los niveles.

De Peter Sollet. Con Michael Cera y Kat Dennings. Comedia romántica. Estados Unidos, 2008.

15. EL CASAMIENTO DE RAQUEL

(Rachel getting married)

No es la clase de película que genera mucha alharaca, ni tampoco la clase de drama que complazca a las masas. Empero, es una cinta bien confeccionada, con actuaciones de contención/explosión... Además de la boda más kitsch del año.

De Jonathan Demme. Con Anne Hathaway. Drama. Estados Unidos, 2008.

16. ¿QUÉ PASÓ AYER?

(The hangover)

Te cagas de la risa porque te cagas. Ridícula, agreste, impredecible. El día que la comedia americana guarra volvió a ser una delicia. No aplica como placer culpable pues es un placer legítimo. Lo que se logra sin pretensiones. ¿Habrá sido un accidente?

De Todd Phillips. Con Bradley Cooper, Ed Helms, Heather Graham y Zach Galifianakis. Comedia. Estados Unidos, 2009.

17. EL LUCHADOR

(The wrestler)

Una oda al fracaso donde la única ruta a la redención es la tragedia. Y se trata de una redención relativa, tal vez como la del propio Mickey Rourke. Aronofsky sabe lo que hace.

De Darren Aronofsky. Con Mickey Rourke y Marisa Tomei. Drama. Estados Unidos, 2008.

18. BASTARDOS SIN GLORIA

(Inglourious basterds)

Tarantino reescribe la historia y goza en el proceso. Un atrevimiento y un capricho, pero al fin efectivo. Además, es una vitrina para la ignoracia, pues es fácil encontrar personas que juran que acaban de versarse en historia tras ver este melodrama tragicómico y sulfúrico de época con gente vestida de Nazi.

De Quentino Tarantino. Con Brad Pitt, Diane Kruger y Christopher Waltz. Bélica. Estados Unidos-Alemania, 2009.

19. WATCHMEN: LOS VIGILANTES

(Watchmen)

Considerada como la novela gráfica prototípica y por excelencia, la adaptación fílmica de Watchmen fue una maravilla en potencia. Cómo o por qué se quedó en el "ya merito", es un misterio. Sin embargo, los guiños al corrosivo e insurrecto material original la salvan un poco. Pudo ser mejor. Y también pudo ser mucho peor.

De Zack Snyder. Con Billy Cudrup, Patrick Wilson, Jeffrey Dean Morgan, Carla Gugino, Malin Akerman y Jackie Earle Haley. Fantasía-Acción-Superhéroes. Estados Unidos-Reino Unido-Canadá, 2009.

20. VOY A EXPLOTAR

La tragedia pop, la tragedia juvenil, la tragedia de secundaria, la tragedia explosiva, la tragedia predecible, la tragedia resultona, la tragedia hormonal, la tragedia de la vela a la que le soplas pero que se vuelve a encender. La amas o la odias.

De Gerardo Naranjo. Con María Deschamps, Juan Pablo de Santiago, Daniel Giménez Cacho y Rebecca Jones. Drama. México, 2009.

Bonus. ARRÁSTRAME AL INFIERNO

(Drag me to hell)

¿Guilty pleasure del año? Debería serlo, pero hacen falta ciertas herramientas para entender el aterrador chiste local que guardan sus imágenes. Raimi se cita a si mismo, vuelve a su origen y se deleita con un filme de terror arquetípico, de espíritu old school y convenciones bien aplicadas. El churro intencional a salud del chamuco que te "jala las patas".

De Sam Raimi. Con Alison Lohman, Justin Long, Lorna Raver y Adriana Barraza. Terror. Estados Unidos, 2009.

NOTA: Las películas fueron consideradas de acuerdo a su corrida comercial en la ciudad de Guadalajara, México (de enero a diciembre de 2009), y no por su año de producción. Así también, se consideraron las cintas presentadas en competición en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara.

Fotos: CANANA (Déjame entrar) / CORAZON FILMS (Los que se quedan) / UNIVERSAL PICTURES (Sin Nombre) / WALT DISNEY PICTURES-PIXAR (Up) / 20TH CENTURY FOX (Avatar).

Son dibujos y son animados. Los mejores videos de "monitos" de 2009.

1) La Casa Azul • "La Nueva Yma Sumac"

2) Air • "Sing, sang, sung"



3) Death Cab For Cutie • "Grapevine fires"


4) Jupiter One • "Flaming Arrow"

5) The Walkmen • "On the water"

6) U2 • "I'll go crazy if I don't go crazy tonight"

Video invitado) Dan Deacon • "Paddling ghost"

Gana en su propia categoría (Títeres del año) y muchas otras más...

Video invitado) Love of Lesbian • "Te hiero mucho (Historia del Amante Guisante)"

Gana en "técnica mixta"

Bonus) Flairs • "Trucker's delight"

Adición de último momento... porque no había tenido el placer de ver esta oda al bit-kitsch

Hay algo que rasga mi corazón por dentro. El pop impresionista.

En Canadá vive uno de los secretos mejor guardados de la música pop. Y, claro, como todo buen secreto, se ha ido corriendo a voces. Con seis años de carrera y tres discos en su haber, The Most Serene Republic es una de las bandas más prometedoras de la escena independiente canadiense, un grupo que navega por los mares del pop de cámara construyendo canciones de interesante rimbombancia y musculatura.

En plena gira, viajando en una carretera del norte de los Estados Unidos, Adrian Jewet, líder y vocalista de la banda nos habla sobre su música, su nuevo álbum …And The Ever Expanding Universe (Arts&Crafts, 2009) y su lanzamiento oficial en México.

Adrian, pensamos en este nuevo disco, en el mejorado sónido chamber pop de sus nuevas canciones y en todas las cosas que han experimentado en los últimos seis años, desde salir de gira por Norteamérica hasta lanzar finalmente un disco suyo en México. ¿Crees que … And The Ever Expanding Universe resume el trabajo de la banda hasta el día de hoy?

Sí, el disco es como nuestro anuario. Podría decir que es la más vívida memoria de nuestros estados de ánimo, de cómo nos sentimos emocionalmente en algún momentos como individuos y también como grupo, como amigos, como hermanos. Del mismo modo, nos hace ver dónde estamos y hacia dónde vamos, es como una sesión de terapia.

Lo que a mi me pasó después de escuchar el disco es que tuve la sensación de que estaba ante una experiencia de pop impresionista. ¿Te lo parece a ti?

Oh, sí, ampliamente. Se nota mucho en las melodías, es como si hubieramos “pintado” las composiciones. Y bueno, tratamos de “pintar” cierto momento en el tiempo, además de que no es una experiencia tan realista. No queríamos un disco que se revelara completamente a sí mismo. Además, soy más o menos fan de esa forma impresionista de crear, generando misterio.

Canciones como "No one likes a nihilist", "Phi" y "Heavens to purgatory" ejemplifican muy bien lo anterior y ahora pueden ser escuchadas por los mexicanos en su nuevo álbum. ¿Cómo te sientes de lanzar por primera vez un disco en México?

Muy, muy intrigado y emocionado. No puedo esperar a visitar México y tocar allá. Si pudieramos presentar el disco allá, seria maravilloso, es una de las cosas que realmente espero que suceda en los próximos meses. Probablemente sería increíble.

Foto: Arts & Crafts.

Publicado originalmente en el periódico regional 4º Poder en octubre de 2009.

¿Centímetros o pulgadas? Da igual, de cualquier modo van a comerme vivo. Entre tú y yo... y Metric.

"Todo lo que queríamos era descubrir si podíamos señalar qué estaba mal con el mundo. El mundo tiene tantos problemas. Y en cierto sentido, es responsabilidad del artista señalar esos problemas”, sentencia en exclusiva desde Toronto Jimmy Shaw, guitarrista y co-fundador de Metric, una de las agrupaciones punteras de la escena indie canadiense.

“Creo que llegamos a la conclusión de que era nuestro momento de empezar a inventar el mundo donde todos querríamos estar.” Y ese mundo se titula Fantasies, cuarto álbum en estudio de la banda, el cual consiguió colarse entre los diez más vendidos de Canadá y debutar en el primer lugar de la lista “Top Heatseekers” de Billboard.

Ahora, Metric celebra la primera edición de uno de sus discos en nuestro país. Fantasies es un material en el que Emily Haines, Josh Winstead, Joules Scott-Key y el propio James sacan brillo al sonido raíz de la banda: un pop de estridencia melódica, agridulce.

Vayamos directo al lanzamiento de Fantasies en México. Este es el primer disco de Metric que se publica oficialmente aquí, vía Arts & Crafts. Aunque ya tienen sus fans mexicanos, ¿cómo se sienten de que Fantasies sea una especie de álbum “debut”, el disco de presentación frente a un público nuevo que nunca los había escuchado antes?

“Me parece genial que este álbum pueda ser la presentación de la banda. De hecho, es del que me siento más orgulloso hasta este momento. Sin embargo, sabemos que el hecho de que éste sea el pimer lanzamiento de un disco nuestro no hace forzosamente una diferencia. La verdad es que la gente que quiere escucharnos lo hace con o sin el CD. He dejado de creer que la fecha en que un disco llega a las tiendas marca el momento en que una banda comienza a ser escuchada. El internet es la herramienta de distribución más poderosa de todas. Tal vez por esa razón nosotros no lo sentimos como nuestro primer disco para los mexicanos, aún cuando sí es nuestro primer disco en llegar las tiendas [en una edición nacional.]”

Emily dijo en alguna ocasión que Fantasies representa algo muy personal, no sólo a nivel individual sino también musical. Por otro lado, creo tú mismo en algún momento mencionaste que la grabación del álbum se llevó a cabo sin prisas y sin tratar de acelerar su proceso natural de gestación. ¿Podríamos decir que, a su manera, es un disco terapéutico para Metric?

“Sí, creo que lo fue en el sentido de que esta ocasión no seguimos ninguna pauta. Nunca sentimos que teníamos que lograr determinada cosa o cumplir determinada meta. Cada quien se tomó su tiempo por separado para trabajar en sus propias cosas. Así esperamos y esperamos, hasta que pudimos hacer justo el disco que queríamos. Y sí, fue terapéutico porque hasta este momento, la banda siempre había estado bajo presión: teníamos que hacer las cosas rápido o con algun tipo de presión externa. De verdad creo que esta es la primera vez que lo hicimos justo de la forma que nosotros quisimos. Y eso fue muy liberador.”

¿Qué papel piensas que juega Fantasies en el desarrollo musical de Metric? Es decir, ¿tú dirías que "Fantasies" es un disco crucial, quizás de transición, de consagración o de revelación? O, quién sabe, tal vez ya alcanzaron el punto que deseaban como banda.

Eso de “alcanzar el punto”… no, no lo sé. La verdad es que en el momento que “lo alcanzas” ya no queda nada más. Es que cuando tienes una meta y la logras, entonces no ya no hay más motivo para seguir trabajando. Lo que nuestro nuevo disco ha hecho por nosotros es permitirnos diseñar mejor nuestro sonido y llevarlo a los escenarios, no necesariamente a un lugar de comfort, sino a uno de gozo.

¿En algún momento pensaron en este nuevo disco como un catalizador de la imaginación? Lo pregunto por el título del álbum. ¿Cómo llegaron a ese nombre?

Todo lo que pasa en este mundo, el progreso de la civilización, proviene de una idea. De ahí el foco que usamos en la portada del disco, es la idea de la luz en la obscuridad. Desde hace ocho años, en 2001, el mundo se ha ido convirtiendo en un lugar cada vez más obscuro. Ahora mismo parece el momento oportuno para rejuvenecer, meditar sobre lo que está mal, reconstruir. Y ahora mismo lo que queremos es encontrar esa fantasía de cómo queremos sea el mundo. Idealmente, esperamos convertir esas "Fantasías" [como es el título del disco en inglés] en realidad.

¿Crees que podremos volver a ver a Metric en México gracias a Fantasies? ¿Hay planes de que la gira llegue a México y otros países latinoamericanos?

Definitivamente. No estoy seguro si será a finales de este año, [pero si no] eso será lo primero que hagamos al arrancar 2010. Trataremos de hacer un pequeño tour Latinoamericano, lo cual sería maravilloso.

Por último, ¿qué está pasando en la escena canadiense en este momento? Hay tantas bandas tan buenas. The Dears, The New Pornographers, Stars, The Stills. Tú mismo eres parte de Broken Social Scene. ¿Qué crees que detonó la escena indie en tu país?

Creo que la razón principal por la que tenemos esta escena independiente es porque todos nos apoyamos mutuamente. Nadie anda por ahí con envidias ni con la actitud de “aquí no hay lugar mas que para una banda”. En Canadá, tal vez porque somos un país más pequeño que nuestro vecino, los EEUU, todos sentimos que la única forma de descollar musicalmente es estar todos unidos, para lograr un impacto musical significativo y poderoso. Por es las bandas indie canadienses nos ayudamos entre si, hablamos los unos de los otros ante la prensa. Nunca antes había visto que pasara esto.

Una versión editada de esta entrevista se publicó en el diario El Informador (Guadalajara, México) el 7 de julio de 2009. La versión aquí publicada presenta aspectos que por cuestiones de espacio no aparecieron en el impreso.

Imagen: Arts&Crafts México

¿Qué es este dolor que no me deja ni respirar? Lo innombrable pega directo en las entrañas.

Tan maravillosa como desgarradora. Sin Nombre es la clase de película que te hace decir “está buenísima”, "qué peliculón", aunque no sin pagar un precio: la historia que relata es dolorosa e intensa, pero también muy humana. Una crónica de migración, un relato de amor ingenuo, una road movie transmexicana, una tragedia que rehuye a la complacencia. Abre tu corazón, aprieta el estómago y, por favor, no te la pierdas.

Cuando terminó la proyección de Sin Nombre, de verdad quería aplaudir, y muy fuerte.  Pero el agujero que había dejado la película en mi pecho era más grande que mi voluntad de ovacionar lo que acababa de ver. ¿Cuántas veces, cada día, se repite la historia de Sin Nombre? ¿Cuánto vale llegar a los Estados Unidos, cruzar la frontera como ilegal? No en dinero, sino en sangre, sudor y muerte. La opera prima del norteamericano Cary Fukunaga, producida por Gael García y Diego Luna, es palabras mayores dentro del cine de migrantes: es honesta, respetuosa y rehuye a los estereotipos. Además, es entretenida, está bellamente filmada, posee actuaciones de carácter casi olímpico y un ritmo trepidante que no te deja quitar los ojos de la pantalla.

Ganadora de los premios al Mejor Director y la Mejor Fotografía en el Festival de Sundance, la película relata la historia de Casper (Flores), un militante de la Mara Salvatrucha cuyo destino se cruza con el de Sayra (Gaitán), una hondureña que pretende llegar a los Estados Unidos atravesando México sobre un vagón de tren. Tan distintos como son, el azar los pondrá en el mismo camino, una ruta que no es ajena al dolor y la atrocidad, pero tras la cual esperan reencontrar una chispa de esperanza. 

Una coproducción mexicana y estadounidense que, desde ya, es una de las películas del año. •••••

Sin Nombre. De Cary Fukunawa. Con Édgar Flores, Paulina Gaitán, Kristian Ferrer, Tenoch Huerta, Diana García y Luis Fernando Peña. México-Estados Unidos, 2009.

Foto: UNIVERSAL PICTURES

Un, dos, tres, un, dos, tres. Verte bailar sonroja mis mejillas. Optimistas y campiranos..

"¡Hola, Arturo!", me dicen con dulzura.

Algunas veces sabes que una entrevista va a ser buena aún antes de empezarla. En este caso, lo supe porque Alex Campesinos! ni siquiera me permitió formular los clásicos comentarios rompehielo. Apenas si estaba acomodándome en la silla cuando su cálida y entusiasta voz me saludó por mi nombre y sin fingida emoción, como si fuésemos amigos de toda la vida. El sonido de sus primeras palabras me indujeron una imagen rural y romántica: una joven sonriente con un vestido a cuadros de una pieza, que caminaba por un verde y florido prado bajo el tibio sol de verano. Nada más alejado de la realidad. Alex estaba a una hora y media de una congelada ciudad de Nueva York junto con el resto de Los Campesinos!, grandes estrellas del mexicanísimo Indie-0 Fest 2009.  Ni siquiera me molesté en presumirle que el clima acá era delicioso.  En todo caso, preferí romper el idilio con una pregunta que me sentía obligado a hacer: MySpace. Después de todo, ellos fueron de mis primeros amigos en dicha red social.

"Obviamente, sabemos el papel que MySpace jugó en nuestra carrera. Sin la fama que repentinamente ganamos ahí no estaríamos donde estamos ahora. Fue el primer lugar donde nos volvimos el centro de atención. La gente escuchaba nuestra música, descargaba nuestros MP3 gratis. MySpace nos volvió accesibles, famosos en la red mundial. De repente empezamos a tener mucha gente conectada a nosotros. "

Lo saco a colación porque el suyo es uno de los casos más populares de una banda independiente que se vuelve un éxito gracias al internet, a MySpace y a las descargas gratuitas legales de MP3. Y ahora están firmados por dos buenas disqueras (Arts & Crafts y Wichita), hacen conciertos en todo el mundo, la gente canta sus canciones. ¿Crees que hoy día los músicos todavía necesitan de los grandes sellos discográficos para triunfar?

"Creo que depende de lo que busques como músico. Personalmente, no pienso que esa [estar en un sello trasnacional] sea la meta correcta. No deberías tratar de ser alguien muy grande inmediatamente, ni de triunfar a escala masiva solamente por el triunfo en sí. Tal vez el sello te infle, pero sólo será momentáneamente. En cambio, con un sello pequeño puedes hacer lo que quieres hacer, en verdad enfocarte en tus sueños y en tus propósitos como artista, algo que sería imposible con una disquera grande. Es mejor estar con alguien que te trate con respeto, que te apoye. Nosotros estamos felices con Wichita y Arts & Crafts. Nos sentimos muy afortunados. Ahora que si lo que quieres ser es una gran estrella pop... pues ya sabes qué puertas tocar."

Ustedes se formaron en Cardiff (Gales). ¿Por qué escogieron un nombre en español para la banda? ¿Y por qué "Los Campesinos!"?

"Verás, es vergonzoso... el nombre ha sido un hit pero en realidad no tenemos ninguna buena justificación. Simplemente nos gustó el sonido de la palabra. Neil, nuestro guitarrista, tomó clases de español en la escuela. El propuso la palabra y nos gustó, así terminamos con este nombre. Ahora somos más populares, la gente siempre nos pregunta qué onda con el nombre y pues no tenemos ninguna buena explicación."

Como banda, Los Campesinos! han conseguido un sonido francamente distintivo. Es ruidoso y melódico, pero a la vez dramático y sorprendente. ¿De dónde viene su sonido?

"Creo que... [silencio]. Bueno... "

¿Una pregunta difícil?

"Es que... la verdad es que el proceso es distinto en cada canción. Por ejemplo, Tom a veces empieza a construir alguna melodía, ahí empieza la idea musical, y tal vez se la lleve a Ellen o a cualquier otro. Ellos llevan eso al estudio como un borrador, todos empezamos a trabajarlo, empezamos a imprimerle los arreglos. Harriet trata de nutrirlo con lo suyo, yo con lo mío. Todos así. No es que hayamos tratado de conseguir un sonido definido, pero tal vez esta forma de trabajar es lo que nos ha dado un estilo distintivo."

Sus dos discos ya han sido editados en México. Tanto "Hold on now, youngster" como "We are beautiful, we are doomed" ofrecen experiencias musicales poderosas.  ¿Cómo traducen su trabajo en estudio para presentarlo en directo?

"Bueno, esta pregunta es mucho más difícil que la anterior. [Risas] La verdad es que al grabar una canción no nos ponemos a pensar "¿y cómo vamos a lidiar con esto toquemos en vivo?, ¿cómo vamos a conseguir que suene bien en directo?" De hecho, creo que es mejor en vivo. Digo, puedes poner el CD y sentir la música llena de energía, pero creo que en directo tocamos todavía con más emoción. Puedes ver cómo cada uno de nosotros está disfrutando al tocar cada canción, y con suerte esperamos contagiar eso al público. Una cosa es cierta: nuestro sonido en vivo es más ruidoso, más punk, más escandaloso."

Cuando estás del otro lado del micrófono, cuando asistes a un concierto como público, ¿cuáles son las cosas que notas en una presentación en vivo o en una banda que te hacen pensar "¡guau, esté sí que es un buen show!"?

"Yo creo que hay ciertas bandas que tienen una gran presencia escénica y que tienen una buena dinámica interna. En un concierto, me gusta cuando los músicos están realmente metidos en lo suyo, cuando se involucran de verdad con su música con toda su fuerza, con toda su capacidad, completamente concentrados en producir algo especial. Cuando yo veo eso, me da la impresión de que la canción es de verdad importante para la banda, que significa mucho para ellos. Eso hace que el público vea canciones poderosas. A través de esa experiencia, público y artista pueden compartir la verdadera emoción de una canción. Otra cosa que también tranforma la experiencia es la forma en que se vincula el vocalista de la banda con las canciones."

El año pasado lanzaron dos álbums. ¿Este año lanzarán uno nuevo? Serían tres discos en menos de dos años.

"Bueno, de hecho vamos a entrar otra vez el estudio para grabar nuevo material, pero no sé cuándo habrá un lanzamiento. Me parece que no sacaremos un nuevo largo en un buen rato.  Vamos a tomarnos nuestro tiempo con las nuevas grabaciones. No queremos apresurarnos en presentar algo. Igual puede ser este mismo año, o hasta el próximo."

Guadalajara, México / New York, Estados Unidos; 3 de marzo de 2009

www.myspace.com/loscampesinos

Lee otros aspectos de la entrevista en la edición del 6 de marzo de 2009 en el suplemento La Buena Vida de El Informador, Diario Independiente.

Tan simétrico como la palabra "pop". Tan perfecto como un nombre propio.

No vi a Keane la primera vez que pasaron por Guadalajara. Ni siquiera leí las reseñas de aquella presentación, de modo que llegué al concierto de anoche completamente en blanco. Dicho esto, mi idea de un concierto de la banda de Tom Chaplin era muy diferente a lo que vi. Me imaginaba algo más relajado, "fresa", elegante y sobrio, muy pop pero sin estridencias. Sí, el concierto tuvo la mayoría de esas características, pero además fue divertido, explosivo, vibrante, ensordecedor y bullicioso. Como vocalista, Chaplin es un auténtico showman, carismático, bien plantado en el escenario. Vaya, sabe cómo echarse al público a la bolsa.

¿Los highlights de la noche? Los bien librados intentos de Chaplin de dirigirse al público en español, sus continuas alocuciones, el evidente disfrute de la banda de tocar ante los tapatíos, los clips de video y un set list pletórico de hits: Desde los coreadísimos y emotivos Somewhere only we know e Isn't any wonder? hasta favoritos indiscutibles como This is the last time, Everybody's changing, Bedshaped, Spiralling, Lovers are losing y Perfect Symmetry.

Ver a Keane en directo y en México vale cada centavo. Y recalco "en México" porque parece que la banda se divierte más tocando aquí que en cualquier otra parte. O tal vez es sólo el encanto de Tom y sus amigos el que lo hace a uno (individual y colectivamente) sentirse especial.

Una línea imaginaria me partió, y mis puntos simétricos flotaron equidistantes.

Keane. 25 de febrero de 2009. Auditorio Telmex (Guadalajara, México). 6,000 personas.

Foto: S.S. Starbird.

El poder felino ataca con modos nocturnos. Me pareció ver un lindo gatito.

No entiendo por qué ciertos músicos al alcanzar determinado estatus comienzan a negarse a incluir dentro de sus conciertos las canciones que los volvieron famosos, las joyas más populares y masivas de sus cancioneros. Suele pasar que el público busca a su artista favorito en directo y espera escuchar esa canción (el hit indeleble, la cápsula pop), pero simplemente no aparece.

Cat Power ofreció un show íntimo, parsimonioso, elegante y estelar en el marco de la edición 2009 del MxBeat tapatío, pero carente de hits. El set list se orientó a explotar de manera íntegra su reciente "Jukebox", dejando de lado canciones que los asistentes clamaban entre murmuros: The Greatest, Lived in Bars, Sea of Love... La falta de temas conocidos provocó cierta dispersión, pero aún así, ver a Chan Marshall en directo es toda una experiencia. La monarca del reino indie posee una gran reputación y no es gratuita: su voz raspa, cobija y embellece. Sus movimientos son una delicia. Vaya, que enamorarse de Cat Power es la cosa más fácil del mundo.

Otros actos destacados de la jornada fueron los ingleses sorpresivos de Mystery Jets en su debut mexicano, en un show de puro glitter e indie glam; el Instituto Mexicano del Sonido, grandes concentradores de público y repartidores de fiesta; y el francés Sebastien Tellier con su presentación de fibra homoerotica y viciosa.

El saldo es definitivamente a favor. El MX09 no trascenderá como el festival del año (sobretodo considerando los festivales que se nos vienen encima), pero sí como una fiesta grande, divertida, melódica y que, como siempre, esperaremos que se repita en 2010.

Mx09. 21 de febrero de 2009. Club San Ciro (Guadalajara, México). 6,000 personas.

Foto: Stefano Gionanni/Matador Records

Misiles directo al corazón. En las lides del alma no aplica el programa de desarme.

Los estábamos esperando no con poca anticipación. Sabíamos que sería una cosa tremenda. Éramos pocos pero emocionados hasta el tuétano. The Dears, una de las bandas punteras de la escena canadiense, hizo escala en Guadalajara en el marco de la gira promocional por el lanzamiento en México de su más reciente álbum, "Missiles".

Lo único decepcionante fue el aforo, muy inferior al que me pude haber imaginado frente a un show de esta categoría. The Dears son un auténtico manjar en directo, una banda que te deja una marca indeleble que combina la tristeza y el regocijo, la pasión y la serenidad. ¿A dónde se fue Guadalajara esa noche? ¿Qué mejor cosa había por hacer sino ver a los diirs?

El concierto inició con el vocalista Murray Lightburn sembrado entre el público. La música sonaba pero el escenario estaba vacío. Entre la gente, Murray blandía el micrófono e interpretaba Disclaimer ante los fans ávidos de llevarse la foto del recuerdo a casa.

Durante la velada se escucharon clásicos como 22: The Death of All Romance, You and I are a Gang Losers y Bandwagoneers así como el íntegro espectro sonoro de "Misseles", entre las que se destacaron Money Babies, Crisis 1 & 2, Dream Job, Demons y Meltdown in A Major. Incluso sonaron el "happy birthday" y las mañanitas en versión indie para celebrar el onomástico del sonriente guitarrista Chris McCarron. En otras circunstancias habría lloriqueado porque no tocaron Ticket to Immortality, el tema pop más épico de su cancionero, pero la verdad es que al final ni siquiera la extrañé.

Mención aparte merece la banda abridora, Technicolor Fabrics, una interesante propuesta local que estuvo mejor plantada en el escenario de lo que yo esperaba. De hecho, fueron una gran sorpresa, un muy agradable entremés.

En alrededor de 100 minutos se terminó la música pero prosiguió el encanto. Fuimos bombardeados, pero en nuestra zona de guerra la devastación fue un paraje hermoso.

The Dears. 13 de febrero de 2009. Teatro Estudio Cavaret (Guadalajara, MX). 200 personas.

Foto: Arts & Crafts México

Una pregunta a John Malkovich. La batalla definitiva entre "orgánico" e "inorgánico".

John Malkovich vino a Guadalajara para ver, casi por última vez en su presente temporada, la obra de teatro que dirigió primero en Francia y que decidió montar después en México con un reparto completamente mexicano: El Buen Canario, un drama de Zach Helm ambientado en Nueva York que aborda la singular relación de un escritor incipiente pero prometedor y su esposa adicta a las anfetaminas.

El actor norteamericano brindó una conferencia de prensa que lució atestada. Todos querían preguntar. Y es que era el mismísimo Malkovich frente a nosotros, el Malkovich humano que rechaza su parecido al Malkovich mítico, pero que sin embargo posee una personalidad hipnótica, una voz embriagante, una mirada que se clava en tu mirada y te responde mucho más de lo que dicen las palabras.

Una hora con los medios, decenas de periodistas y sólo pudimos hacerle una pregunta. Esto fue lo que nos dijo.

En La Sombra del Vampiro hay una escena entre su personaje y el de Catherine McCormack, una conversación en la que usted le pregunta algo como: "¿Por qué razón querrías hacer teatro si puedes salir en películas?". Entonces ella contesta: "sobre el escenario, el público me da vida... el cine solamente me la quita".

¿Estos diálogos de alguna forma reflejan su sentir o su percepción de sobre el cine y el teatro?

Bueno... Yo no pienso que el cine me haya quitado nada. He tenido experiencias entrañables, he conocido gente maravillosa, he podido estar en grandes películas. Así que de ninguna forma pienso que el cine me haya arrebatado algo, ni como actor ni como una persona común, en cuyo caso las películas son mi experiencia de vida laboral.

Ahora, las películas no son efímeras, por lo tanto no son como la vida. Ellas no me recuerdan la vida. Como el personaje de La Sombra del Vampiro dice en determinado momento: "Nadie podría decirnos "debiste haber estado ahí", porque de hecho ya lo estuvimos".

Y es así como siempre pienso al teatro. Es un organismo vivo, tan frágil como cualquier cosa viva. Y es hermoso, en parte debido precisamente a esa fragilidad. El teatro está vivo, el cine no. Y esto no pretende ser una crítica al cine, pero si proyectas una película esta noche y lo haces de nuevo mañana, seguirá siendo la misma película. Si ves una obra de teatro esta noche y vuelves a verla mañana, de ninguna manera será la misma obra. Como dije, eso me gusta porque me recuerda la vida.

Foto: JUAN CARLOS POLANCO / CORTESÍA

Mantén la vista al frente, no te me distraigas. Conversando con The Helio Sequence.

Hace un par de años, Brandon Summers perdió la voz. Tal evento lo confrontó con el drama mismo de existir bajo la consigna de dejar de ser quien había sido hasta ese momento. Qué iba a pasar con su banda, quién cantaría ahora sus canciones, cuál era su quid personal. Todo se volvió negro para él y The Helio Sequence.

Sorpresivamente su voz regresó, pero ya no era la misma. Se empeñó en seguir cantando, y para ello tuvo que modificar el sonido de su banda, redimensionar sus composiciones, adaptar su música a su nueva circunstancia, a su nueva voz. El resultado fue el espléndido "Keep Your Eyes Ahead" (2008), un sencillo álbum que ha logrado la notoriedad suficiente en el circuito indie como para traerlos por primera vez a la Ciudad de México y Guadalajara en el marco del Indie-O Fest, evento que además debuta en tierras tapatías.

"No tengo ninguna expectativa porque no sé qué esperar. Sin embargo, estoy emocionadísimo. Nunca he estado en México, ni siquiera puedo imaginarme si la gente escucha la música de The Helio Sequence allá o no", señala Brandon Summers, vocalista, compositor y mitad del dueto de Oregon en una charla exclusiva desde su casa en Portland, donde plácidamente reposa en la sala. O al menos eso hacía hasta que inició la jornada de entrevistas al mediodía. Le recuerdo que soy su última entrevista del día y admite que eso le hace sentir muy bien. "Ha habido de todo, algunas entrevistas han sido muy interesantes. Pero hay algo inquietante en hablar tanto tiempo con gente que no conoces."

No ocultas tu emoción por formar parte del Indie-O Fest, has dicho que te gustan las bandas con las que alternarán y que además de venir como músico, vienes como fan.

Sí, absolutamente. Me encanta el cartel. [En cuanto a la música] me gusta escuchar un poco de todo, estoy abierto a las cosas que otros me muestran. Escucho folk, incluso R&B y me encanta el viejo jazz, incluso lo que la gente llama "adulto contemporáneo." Me encanta todo lo de Deerhunter y Animal Collective. También el disco de Alison Krauss y Robert Plant. 

El camino rumbo a "Keep Your Eyes Ahead" no fue fácil. ¿Cómo lidiaste con el hecho de haber perdido la voz, de haberla recuperado, de haber tenido que redefinir a The Helio Sequence a causa de ello?

Después de que perdí mi voz, tras una dura gira en la que le abrimos a Modest Mouse, todo me empezó a parecer abrumador. Pensé que había llegado al final de la línea, quería darme por vencido. Me sentía vacío en muchos aspectos, no sabía qué hacer. Tuve que empezarlo todo de nuevo, por eso tomó cuatro años hacer "Keep Your Eyes Ahead", tuvimos que reenfocarnos. Creo que lo que pasó —los malos tragos— se refleja en el disco y en la forma en que me redescubrí como cantante, que fue a través de una guitarra acústica. 

Cuéntame qué está pasando en Portland. Quiero decir, The Shins, The Decemberists, The Dandy Warhols, Modest Mouse, Sleater-Kinney, Blitzen Trapper... todas estás bandas están ganando fuerza y popularidad entre los fans mexicanos de la música indie. ¿Cómo es que Portland ha desarrollado está sólida, e incluso masiva, escena independiente?

En realidad, es algo que ha estado evolucionando desde hace mucho tiempo. Portland es un lugar extremadamente creativo. En la última década se ha convertido en un destino común para mucha gente que quiere crear. [Hay que considerar que] es un lugar mucho más barato para vivir en comparación con San Francisco o Nueva York, además de que aquí viven muchos músicos y artistas, lo que provoca que siempre esté pasando algo. Al mismo tiempo, la gente sabe que puede realmente volverse "independiente" aquí pues las audiencias son muy, muy abiertas. 

Qué interesante. Me hace pensar en lo que he escuchado sobre Nashville...

Sí, claro. Tienes un puñado de gente con ideas en común, mentes abiertas, todas en la misma onda. Abiertos a todas las ideas musicales. Creo que tengo un punto de vista singular sobre la ciudad porque yo pertenezco al reducido grupo de gente que es de Portland y ha vivido toda su vida allí. He podido ver el cambio desde que empecé a tocar música en los noventas. 

Guadalajara, México/Portland, EEUU; 28 de enero de 2009

Web: www.myspace.com/theheliosequence

Foto: SUB POP

LEE PRÓXIMAMENTE MUCHO MÁS DE ESTA ENTREVISTA EN LAS PÁGINAS DE LA BUENA VIDA/GENTE BIEN DE EL INFORMADOR, DIARIO INDEPENDIENTE (GUADALAJARA, MÉXICO).